自分で作った概念を「私の場合」とするのもなんですが、不定調性自体は数百年前から存在するので（調性概念がなかった時代は"不定"とは言わず）やはり「私の場合」というのが正確でしょう。
ここに書いてあることもご自身の文脈に置き換えてご自身の道を進んでください。
まずこんなII-V-Iのフレーズがあったとしましょう。
まんまヴォイシングのDm7-G7-CM7です。
でもDTMミュージックはこれでもいいんです。DTMは音も綺麗だし、リズムのズレもありませんから人が弾けない(弾かない)ヴォイシングは「新しさ」なんです。
旧ヴォイシング文化の意味を承知して、これをやるならダメなヴォイシングではありません。
今回はここからアレンジ、リハーモナイズ、不定調性化を順々に施してみましょう。
例えば旧ヴォイシングなら、
このよう和音の流れ音域を揃え、スムーズにするとジャズっぽく、というか商業音楽っぽくなります。合理的です。美しいですが手垢だらけのサウンドです。
このように音を揃えるのは、生の演奏ではそのようにするのが技術的に演奏を豊かにでき、表現に余裕を持たせることができる、というだけです。
DTMは黒船です。
ある意味では日本人が作った精神の内部から現われ出でた黒船、と言ってもいいかもしれません。
DTMがある現代では、こうしたサウンドが当たり前と思うのは「保守的」であり、いまだにこれを当然としてやるのはDTMの可能性が見えていないか、DTM文化が嫌いか、新しい価値観が理解できないか、それに気づいていないかどれかです。
と言いつつ、この保守さ加減がわかっていないと先進的なことを嗅ぎつけられません。
このまま保守的なアレンジで続けましょう。次はテンションに置き換えるだけです。
少しだけサウンドが軽くなりますね。色彩感が薄れます。テンションを加えることでサウンド全体がモーダルになるので音階を和音にして組みわせている状態に近づきます。
この辺までのアレンジは知識で何とかなります。重ねる音が決まっているからです。
絵を描くとき模範とする絵が隣で出来上がっている状態で自分なりに塗る、というだけです。バークリーシステムとも言います。これにより同様な価値を持つが違うように聞こえる音楽が簡単に量産できました。
ここでちょっとアナログっぽくアレンジしてみましょう。
音の強さ、とか演奏ニュアンスをつけます。少し人間ぽさが出ます。
これと先ほどのテンションを乗せただけの音楽は別物です。どっちがいいか、ではなく、別物です。それぞれの音楽にそれぞれ使いどころがあります。BGMでこのバージョンはうざいです。さっきの音ズレのない音楽の方がBGMとしては良いです。
一方に固執すると新しい価値観を見失います。DTMではどちらもできますので、より個人の豊かな判断力が必要です。
個人がより多くの責任を背負わなければ、自分が信じる価値を作り出せない時代であう。
音楽理論でできるのはここまでです。
ここからは決められたアレンジではなく個人の文脈を組み合わせた独自性で音楽を作らなければなりません。下記は一つの例ですがいきなり不定調性にします。
和音もII-V-Iの雰囲気を崩さないギリギリのところで関連性を保ちながらも崩していきます。音は何を置いても大丈夫です。その代わり全ての音に対して自分が意思を与えられなければなりません。音楽理論的な支えは全くありませんが、自分の判断で音を置いていくので確固たる確信を持てます。最初は難しいですが慣れます。
このように絶妙なタイミングで協和と不協和の雰囲気をまぶしていくことができるのはDTMだけです。ちょっと音の強弱やタイミングを変えるだけで不協和音は協和して響きます。
私の不定調性論もこの観点を重視して音を置いています。２０世紀では不協和だった和音が、２１世紀には不協和ではなくなりました。絶妙な不協和が「"灰色の焦燥感"をしっかり作るサウンド」になっています。
不協和にもpopな意味が当てはめられます。
しかしこの旋律は、"いかにもカッコつけた現代音楽っぽくしてるやつ"ですね。
この辺は２０世紀に完全に極められてしまったのでここの芸術性を求めてもブーレーズや武満徹あたりに圧倒されて終わりです。
「難解さ」「意味不明さ」というベールで音楽を覆うことで芸術性を出そうとするのは劣化コピーです。これがもともと頭の中で鳴っていた変人作曲家のフレーズを真似ただけです。それが悪いわけではありませんが、やはりそれなら、中学生でDTMを始め音楽理論もわからずEDM曲を世界にアップロードする人のほうが私は攻めていると思うし、現代アートの文脈に沿った姿勢に近いのではないか、と思います。
また現代音楽でDTM以外でやれることはほとんどジョン・ケージが示してしまったので、当時はなかった新しいことである最先端電子音楽=DTMから新しいサウンドや音楽が生まれていることになります。まさにそれらは「新現代音楽」と言えます。
EDMに芸術性を与えようとしないのは、多くの人がアートだと気がついていない（認めることを避けたい、的な欲求）からでしょう。
我々は今たくさんの写楽たちに出会っていますが、後世まで伝説になるのが誰だかわからないだけです。
次を聞いて下さい。こちらは先の旋律感ではなく、より歌うようなフレーズのままこのソリッドな感じを用いた音表現です。
歌詞が載っていたら歌えそうですね。
「難しい和音の流れだから、難しいフレーズを載せるべきだ」という慣習は曲をウェルダンにしすぎます。
私にとってはこれはこれでエモーショナルです。
そう感じるのなら、そう感じた通りの表現をしていくことがわれわれが若いDTMerの精神から学ぶべきことでしょう。
ここまできてバークリーの先に行き、またバークリーが生まれる前の音楽の文脈に辿りついたのではないでしょうか。
こうしたやりかたを拙論では「音楽的なクオリアを駆使した表現」と言っています。
今回最後の音源です。
ここが結構きついので、それぞれの和音のタイミングとヴェロシティをずらしました。
ちなみに下記はずらす前です。
いかがでしょうか？ちょっとこれは油断した不協和すぎて、自分には意図が不明瞭というか、ネジがちゃんとしまっていない感じがするんです。
もちろんヴォイシングをずらして和音を整えれば良いのですが、それはある意味では商業音楽的で、演奏者に演奏させる場合です。
演奏者の人があまり良くないと、気持ちの悪い和音を見下して、悪い、と言わんばかりに弾くときもあります（しかも時に自覚がない）。そうすると演奏をちゃんと再現してくれません。武満徹は「演奏者が理解しないでそれ弾く」というようなことを指摘してました。
斬新なことをしようとすると必ずこういうことが起きます。
初めてビートルズを聞いた大人たちの反応と同様です。
他人にも「今日のはひどい楽譜だった」とつい言ってしまうかもしれません。
しかし機械はそういうことは言いませんし、意図をもって弾いたりしません。
作曲家の究極の理想の音配置を作ってくれます。
こうした環境の違いも不協和音の概念自体を変えてきたと思います。
（演奏者の例を出してしまいすみません、あくまで寓話です）
これによってメロディと伴奏はハーモニーで結ばれるのではなく、ひとつの楽器の饗宴、混迷とした社会そのもの？自然の世界のような混沌さと地球にとっての自然な、人にとっての不自然さになります。
ただ私が好きなだけです。
ただの西洋"音楽理論"庭園ではなく、浅田次郎の「百年の庭」のような、どっぷり日本人の意気と覚悟が入った景観...を作れます。あそこまでではないけどギトギトな個人の意思を貫くにはかなり覚悟がいるものです。
しかし、おそらくそういうのが「表現の域」なのではないか、と。
結果としてこの音源はジャズっぽさ、ブルーさ、現代音楽感、イージーさすべて含んだ印象となり（ある意味、無意味で、無ニーズではあるが）、今私のイメージはこういうサウンドや音楽表現が好きです。
まだ自作作曲を始めたばかりですから、偉そうなことは言えませんが、ここからちゃんと自分の音楽をまとめてゆきたいと思っています。
「不定調性世界」は十二音技法によって極められた調的世界のその先の「調的慣習と個人の欲求世界の共存」が私なりの概念です。
２０世紀の汎調性主義（調性の存在は最初からあるものとしている印象）とは違います。調性などもともとない存在なのに調性が定義されてしまった後の時代です。
しかしこれにより、日本人に存在するもっと曖昧なバランスを表明しやすくなるのではないか、と思います。
また複調性というのも私自身はわかりません。二つの調性を同時に感じることができないからです。C△とCmを同時に鳴らすと、現代におけるこなれた音楽聴取の耳ではC7(#9)の「かっこいいサウンド」に感じるのではないでしょうか？そうなると、これは複調ではなく、やはりCadd#9という混じり合った世界として、別途印象を確立してしまうのが私の性格だからです。
きっとこれらは多くの人が述べてきたことだと思いますし、私はその文脈をしらずしらず継承しているのだと思います。
真の自由は闇の中なんだな、と。視覚や光は自由ではなく制約なのだ、と。
おそらく人は完全なる自由にはなりたくないのだと思います。
皆さんには皆さんの音楽世界のありようがあると思います。
どうぞ趣味作曲では、既存の価値で自身の価値を覆うことなく、自分自身のサウンドをとことん追求してみてください。