音楽教室運営奮闘記

不定調性論からの展開紀行~音楽と教育と経営と健康と

コードアナライズの意味と心象分析について〜不定調性論的思考の必要性

2018.4.2⇨2020.3.20更新

ここでは「コードアナライズの学習にはどのような問題が隠れており、どのように学習時に対処すべきか」について考えてみましょう。

お題はAll The Things You Areです。

 

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Bud Powell - All the things you are

アナライズ記号については下記をご参照ください。

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しかしこれらの記号を不定調性論を考える時には滅多に用いません。

結論を先に。

  • アナライズ=音楽理論の確認のために行う学校的な行為
  • 新しい曲ほど既存の技法で説明することが可能性の矮小化を作る場合がある
  • 演奏すれば皆テンポが異なるように本来は個別の解釈は一本化されない
  • 自分が音楽理論的権威にどこまで寄れるか?どこまで離れてしまうタイプなのかを把握しよう
  • 権威から離れた時、不定調性論的思考が問われる
  • 調性から離れた楽曲の把握に不定調性論的思考が欠かせなくなる
  • 自分がどんな音楽性を持っているのかを知るために知識への「疑問」を持とう

というような話を下記に書いています。

 

コードアナライズとは...

音楽理論の確認のために行う学校的な行為です。学んだ知識を楽曲内に探し、当て込み、構成して理解を深める行為であり、それができても曲を書くことはできませんし、その音楽の何たるかを理解できるわけではありません。

アナライズは構造把握です。車をそとからみて、エンジンは何。タイヤは何。シートは何製、ハンドルは何タイプ、ってわかることです。でもこれがわかってもFレースにあなたが出られるわけではありません。

 

コードアナライズで何を行えるか、をきちんと把握しましょう。

・キーは何か

・和音の機能は何か、ディグリー(ローマ数字当て)は何か

・使われている理論的常套句は何か

・転調、変異コード、独自の技法の指定。

これらは教科書に書かれている知識ですから、あくまで教科書の読解ができているかどうかの確認なんです。

 

ここから、

・楽曲の歴史、作られた経緯、使用された楽曲史

・作曲家、作詞家、カバーしたミュージシャン、その演奏の変遷

・歌詞の分析、社会性の分析、

などを学校で行う場合もあるでしょう。

 

特に今チャートを登っている音楽を無理に既存の音楽理論で解説しようとすると、急に尖った部分を摩滅させてしまうことがあります。レコーディング時に「ただのIVのサブドミです」とか思って演奏したら何も創造できません。「彼女はただのヒト科の女です」だけでは恋もできません。

それならば不定調性論的な的な進行感分析で、

「ここのIVは思いっきり今の時代への不満をぶつけてください!!」

とか言った方がミュージシャンには伝わります。「なんかわからんけど好きだ!」って言えるかどうか、みたいなところ、ってありませんか?それが感情だし、人間が進化の先に得た特殊な技術だと思うのです。勉強すると、そういうことが恥ずかしくなってしまうのは学校教育で破廉恥なことが教えられない、という社会的常識の中で生きてきただけで、本当は世の中はもっと破廉恥です。

だからコードアナライズには"何かが不足"する時がある、と思っておくと良いです。

 

 

音楽教育ビジネスの中でのアナライズ

早速ですが、

All The Things You Areのメロディを弾いてみてください。この曲、明るいですか?暗いですか?

意見が分かれるかもしれません。私は程よく暗いと思います。

私の言い分と差異を感じる人もいるでしょう。

アナライズ記号は巧みに、全員が同じような指摘のできる内容に限って記号が作られています。明らかなII-VはII-Vである、というような内容のみをアナライズします。

なんと音楽に「正解」を作っちゃったんですね。これは笑うとこです。まあ学校教育ですから、仕方ありませんが、卒業の日に先生はいいます「これから君たちは自由だ」。

怖いから笑。在学中に自由にしてください。

 

もちろんアナライズの利点があるからこそそれはレッスンで用いられます。利点と不利益をちゃんと把握しておくと良いと思います。

アナライズの知識があれば、同曲の構造を下記のようにすぐ把握できます。

<section1>

Fm7 |Bbm7 |Eb7 |AbM7 |DbM7 |

Dm7 G7 |CM7 | |

<section2>

Cm7 |Fm7 |Bb7 |EbM7 |AbM7 |

Am7 D7 |GM7 | |

<section3>

Am7 |D7 |GM7 | |

<section4>

F#m7(b5) |B7 |EM7 | |

<section5>

Fm7 |Bbm7 |Eb7 |AbM7 |DbM7 |

Gb7 |Cm7 |Bdim7 |

Bbm7 |Eb7 |AbM7 | |

5セクションあり、1,2セクションは転調した同じ形であり、3,4セクションはメジャーとマイナーのII-Vがきれいに展開しています。II-Vが半音関係にあったり、同じものが出てきたり、構造が一瞬で把握できます。楽譜ではこれだけのことは一瞬ではわかりません。

同曲は結果としてアドリブの良い練習曲になっています(中級者向け)。

セクション5の最後は、

Bbm7 |Eb7 |AbM7 | |

とすると、さらにII-V構造が分かりやすくなるかと思います。

Bdim7=F7(b9)のコンビネーション・オブ・ディミニッシュに含まれる和音だからですね。 

 

瞬時に構造把握できるのがアナライズシステムの画期的な点です。

 

共通認識できるものを把握できるのがコードアナライズであり、当時の身勝手な講師独自の音楽学習に権威と秩序、統一見解を生みました。

大規模な音楽教育ビジネスの誕生です。

集団レッスンで利益を上げ、教科書が売れます。それにより、講師が工夫して新しい解釈、独自性を育てようとしなくてもよくなりました。

しかし利益を無視すれば、音楽レッスンで一番効率が良いのは、個人レッスンで、教材は毎回講師が用意する適材適所な対応によるレッスンです。その時アナライズは最初の5分で終わる話です。大事なのは、その人がどうこの曲を弾くか。どうすればその人が弾けるようになるか。です。

 

<楽曲上のその他の特徴を把握する>

曲の中では目立つのが"ピカルディの三度"と解釈できる主調転調です。

m7に行くと思わせてM7にいくところです。

明るくすると、軽くなるので曲が抽象的になります。

ピカルディの三度は、さっきまで沈んでいた人がいきなり笑顔になる、みたいなサイコ感や、山の天気のように自然のダイナミックさが人智を越えた現象を私には感じさせます。

この曲はそれが激しいので、強い抽象性を感じます。 

他ではセクション1,2、の最後のII-V、最後のIIb7、パッシング・ディミニッシュなども特徴的なので指摘できますね。

 

<Dm7 G7?>

これも気が付けばそれでいいのですが、6小節目にa♭音が出てきて、コードはDm7です。Dm7におけるb5音とp5音が同居する響きになりますから、Dm7-G7ではなく、Dm7(b5) G7とするのが適切ではないのか、などと思ったりするのもアナライズ行為のポイントです。Dm7(b5) の方がCM7に向かった時のピカルディ終止がより印象的になるのではないか?とか、それとも作者はそういうのに飽きてわざとこうしたか、とか、印刷のミスかな?とか、自分で色々想像するんです。

最初はそういうことをメモしていきます。

"青本"などはDm7(b5)になっていますね。

これ実は、DbM7--Dm7(b5)は1音しか変わりません。DbM7--Dm7のほうがスリリングに変わります。ソロを取るときはメロディは関係ないですから、音楽的な印象でいうと、Dm7のほうがダイナミックで気持ちいいです。自分は。

だからテーマではDm7(b5)、ソロではDm7みたいに分けても良いと思います。

最初は自分のバンドで演奏するときにどうするか、みたいなことを最初は一曲一曲決めていかないといけません。そして数をこなすと曲名を聞くだけで、メンバーを見るだけで「今日はBパターンで行こう」と瞬時に考えられるようになります。これはたとえアナライズ、という行為を行わなくても10000曲毎年感覚で弾いていれば勝手に身につきます。

それを300曲ぐらいでやろうと試みるのがアナライズかもしれません。それが合理的なのか、姑息なのか、どう感じるかは個人の性格によるでしょう。

 

 

<アナライズ学習のその後>

問題はその後です。

実際に一人一人弾いてみたら、きっとテンポが違うと思います。

弾き方も、もちろんアドリブも。

学校では「共通な知識を背景に自分の演奏を組み立てる」という暗黙のルールの中で個人の実力を伸ばす"学習競技"です。

100メートル走で、"バイク使った方が早くね?"という人は学校にはいない、というわけです。

でも実際外の世界に出たら、そんなことは言っていられません。アブナイ天才と共に戦わないといけません。

 

個人は同一化をはかれない

同じ教育を施しても成績に差が出て、出世に差が出ます。

それを才能と努力のせいにしたりします。

そうではなく、もともと個人は異なる可能性を持っているのだから、本来は個人を十分吟味された上で進路は選択されるべきです。

それゆえ個人塾や、学校体系とは違う教育機関で「個性」を考えるわけです。私自身もそういう構図でレッスンしてきました。

 

アナライズの効率化

初期は教科書に書かれたやり方でアナライズしても良いですが、現場に出るようになって、時間が切羽詰まってくると、その過程をすっとばして楽譜を直感的に見るようにせざるをえません。そのためには何よりたくさんの楽譜を見て演奏することで脳回路が鍛えられます。

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 <H.P. >〜ハーモナイズポイント

この小節がいくつか出てきます。

V7やセカンダリードミナントII-Vを自由に入れられるところです。こういうポイントは不定調性論では「ハーモナイズポイント」という考え方で書きました。

ビバップを抜け出た人は、トリッキーな和音を置いても構いません。セクション1の終わりなら、

CM7 |( ) |Cm7 |

ですから、例えばの例えばですが

CM7 |C7(#9) |Cm7 |

として、微妙に構成音がかぶるコードで逸脱しやすい7thにしてCのコンディミを使う、みたいなアイディアをどんどん出してください。この位置にくる和音は、100%ドミナント的要素をもち、人は「ドミナント感」をここで聴きたがる(進行感分析)ので、その錯覚を活用してちょっとトリッキーなコードを置くこともできます。こういった選択肢もあなた自身の音楽性に左右されるので、勇気を持って自分の志向を把握しましょう。

 

そこはもう少し優しく弾いてくれ〜不定調性論の誕生

「そこはもう少し優しく弾いてくれ」と言われたとしましょう。

それは譜面には指示されていません。当然事前のアナライズではできませんね。

そこで拙論的発想が必要になってきます。心象(進行感)分析です。

直感や音楽的なクオリアを用いて、音楽を感性と脳と経験で聞きます。

この和音は赤い、このフレーズは風のようだ、この最後の和音は疑問符だ、とか、そういうことをあなたは経験で察知するようになります。

そういうことができると、「そこはもう少し優しく弾いてくれ」という意味が、ああ、この人はこう感じたんだな、と相手の音楽的なクオリアに波長を合わせることができます。そしてあなたはその意味を汲み取って、「きっとこういう感じにっていう意味での優しく、だな」とか意図して弾くことができます(相手の気持ちを考える)。

「優しさ」にも色々あるし、ただピアニッシモで弾けば良いというものでもありません。相手の述べたことをどう解釈するか、感覚的なもののスキルを磨いておく必要があるんです。相手の言い方やその時の表情、その前後の気分などもその発言に関わっていると感じられるようになってきます。

それにあなたの弾き方が彼が思っている「優しく」以上の素晴らしい表現になるかもしれません。

これらの感覚は普段、いかにあなたが音楽的なクオリアを鍛えているか、またはたくさん音楽業に携わってきたか、にかかっています。 

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疑問こそ答えへの道

アナライズは、旧来の機能感を持つ楽曲しかアナライズできません。

わざと無調性などを狙った曲はアナライズ記号が当てられず分析はできません。

椎名林檎のようなアーティストを楽譜だけでアナライズして彼女の音楽を把握できるでしょうか。本人を目のまえにして一緒に演奏できて一緒に音楽を作れるでしょうか。

"負けてしまう"と思います。何が足らないのでしょう。

それも拙論では個人の音楽的なクオリアの差、としています。

「怒って弾け!」と言われてピンと来る方は不定調性論的思考がすでにできる人です。具体的にどういう風に弾けばいいかなどと人に聞いていたら、その時の、その現場の勢いはなくなってしまうのです。まずそうした感覚的行動への理解ができるかどうかが、音楽業ができるかどうかにつながります。

 

CM7 |A7 |Dm7 |G7 を例に

のCM7-A7進行には名前がなく、ただの「セカンダリードミナントへの進行」で片付けられてしまいます。でもCM7⇨A7には独特の進行感があると思います。いろんな感情が乗っかってくる、と思います。

アナライズが理解できただけで、これが表情豊かに思う通りに弾けますか?

 

できれば一番好きなアーティストの全曲分析やってください。「音楽って何?」が見えてきます。

「この時、なんで最後にヴォーカリストは叫んだのか」

とかを書いたメモに添えてください。答えは書かなくていいです。

答えはこれからあなたが同じ現場で直感できます。

学習時は疑問さえ浮かべばOKです。音楽の独習は、答えのある学問でも、統一性のある学問でもないからです。

疑問とは「好きな人」です。ずっと好きな人のことを考えるでしょう?

だからずっと考えてしまう好きな人を考える人生を選んで下さい。

なぜならあなたが24時間考えていられることが見つかれば、その分野は誰にも負けません。そして必ずそんなあなたを魅力的に思い理解してくれる人がいます。その時あなたは自分が思う音楽を作ることができます。理解者無くして個性は作れません。

 

All the things you arreの原曲

最後にAll the things you areの原曲を聴いてみましょう。

Very Warm for May - All the Things You Are

元はミュージカルのために書かれた曲の後半の美しいコード進行の部分がスタンダード音楽になっていった作品です。スタンダードジャズのほとんどはこうした「かっこいい流れの曲の一節」を使ったものが多いです。もともとジャズはダンスホールなどでミュージシャンが営業演奏を終えた後、楽器陣だけで集まって流行りの曲の"バトルしやすいところ"をピックアップして演奏して繰り返して各自のソロ演奏スキルを競い合ったことからスタートしています。

ジャズスクールのなかった時代に、彼らは自分たちの「好き」を自分たちなりに夜が明けるまで追求していったんですね。 

 

そんなこんなで自分でも作ってみました。これ、アナライズできないはずです。

不定調性論ですから。自分が言葉で語れないところを音にしていくことできっと学校教育から抜け出せます!!

www.youtube.com

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