音楽教室運営奮闘記

音楽と教育と経営の雑記ブログ~不定調性論からの展開

151,King Gnu「Teenager Forever」;Art Rockなコード感の構築美

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5ヶ月ぶりの楽曲分析的記事です。明らかに通し番号151曲より多くやってます。いずれ直します。

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MVを聴いて、一聴して、"っぽい!"と感じたので書かせていただきました。

「白日」を耳コピカバーさせていただいて以来すごく気になるサウンドです。

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セクションごとにコード耳コピして書いて紐解いてみましょう。

すみませんこちらと少し違っています。。。大丈夫かな。。

 

<pickup Intro>key=Fメジャー/Dマイナー

F   |Gm7  |Am7  |A#dim7 |

Bm7(b5) |C  |C#dim7 |Dm7  |

F   |Gm7  |Am7  |A#dim7 |

Bm7(b5) |C  |C#dim7 |Dm7  |〜Interlude、Aメロまでこの繰り返し。

 

<イントロ・interlude・Aメロメモ> 

C#dim7は「パッシングディミニッシュ」です。ジャズ由来ですがポピュラーです。

A#dim7のほうは本来A#M7にならないといけませんが変化してます。しかし

F   |Gm7  |Am7  |A#M7 |

Bm7(b5) |C  |C#dim7 |Dm7  |

F   |Gm7  |Am7  |A#M7 |

Bm7(b5) |C  |C#dim7 |Dm7  |

としちゃうと"フツー"です。

これだと例えば「なれやしないよ」の「や」がA#M7(BbM7)の#11になります。

「なれやしないよ」

のなんとも言えない悲壮感とか、ライトな諦めの感じはBbM7(#11)よりもディミニッシュのほうがしっくりきます。相対的に。

私の意見ですが、逆にこのA#dim7はこのコード進行が先に出来て、そこからイメージしたメロディの雰囲気に合った歌詞が来たのかな?とか想像しています。

 

このm7→#dim7はギターだと下記のように、移動が比較的容易です。

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だからI-IIm-IIImときて「ああ、このままBbM7(IVM7)じゃつまらんなぁ」と感じる時に、こういうことをしたりします。この話はもう少し先でもう一度出しますね。

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かたやパッシングディミニッシュ=全音離れたダイアトニックコードの間に挟むことで「連綿さ」や「接続感」、「疾走感」が出ます。

米津楽曲でもよく出てくるサウンドです(最近みんな使ってる)。

こういうサウンドがこの手のパンク的楽曲で出てくること自体が少し前までは不自然でした。これが当たり前になっているのは良いことですが。

ギターをただかき鳴らすだけのフォークロック文化では「コードなんてカンケーねーんだよ、理屈はいいから聴けよ!」だったのですが、いつのまにか「ディミニッシュとか挟めねーやつ、音楽やんじゃねーよ」的になっている格好良さが、ある意味では"民度が上がった"ということもできます。アートロック。

 

もはやあまりにも無知では若者は音楽がやりづらいはずです。

 

dim7の用法は理論をやる人は学校で勉強するコードの一つでもありますので、ちゃんとこういう展開感や疾走感の曲でこのコードを出してくれるKing Gunの音楽性に興奮すると思います。実際井口様、画面でずっと疾走してるし。

 

Cメジャーでダイアトニックコードを並べると、

CM7   |Dm7   |Em7  |FM7   |G7   |Am7   |Bm7(b5)  |

となります。ここで全音で接続しているところに半音上のディミニッシュを挟むのがパッシングディミニッシュです。#表記します。

CM7  C#dim7 |Dm7  D#dim7  |Em7  |FM7   F#dim7 |G7  G#dim7 |Am7  A#dim7  |Bm7(b5)  |

また下行してくるときは、♭表記するのが慣習とされる、と学びました。

Bm7(b5) B♭dim7 |Am7 A♭dim7 |G7 G♭dim7 |FM7  |Em7  E♭dim7 |Dm7 D♭dim7 |CM7 |

これらの表記の区分は初見で声部の移動が見やすく弾きやすくする楽譜の見栄えにするため、とよく言われます。DAWだけでやる人は実はあんまり関係ないよね。楽譜作るときに参考してください。

弾ける人は楽器で弾いてみてください。

<音が聴けるよ!>

passing diminish | rechord - 演奏もできるコード進行共有サービス

   

さらにA#dim7からBm7(b5)に流れます。

これもギターでいうと下記のように比較的移動しやすい、とされます(指持ち替えは人により多少あります)。

 

f:id:terraxart:20200110144932p:plain

移動しやすい、ということは声部進行がしっかりしていて、スムーズに移動する、ということです。

当ブログで言えば、ビートルズやユーミン楽曲で作られた奔放なコード接続です(不定調性的)。

このBm7(b5)を普通に分析すると、ジャズ理論では、IV#m7(b5)となり、これは

IV#m7(b5)=VIm6の転回形

となり、ここではキーがFなのでVImであるDm6の転回形になります。つまり平行短調のトニックマイナーの代理コードです(『lemon』でも出てきたねー。この界隈の流行りなんでしょうか-King Gnu&米津楽曲は深い関係があるとかないとか)。

Bm7(b5)自体はノンダイアトニックコード(IV#m7(b5))ですから、この和音に移動した瞬間転調感を醸し出しそうですが、自然に連なっているのは、VIm6的な役割が内在されている、という解釈もできます。

この「解釈できる」というのはその人の学習程度で変ってきますので、理論的に正当である、とかと思わないでください。いくら理論的に正当でも、あなたが知らないコードであなたが納得いかないのなら、それは正当ではないんです(不定調性論的思考)。

テストの問題のみたいな性質と一緒にしないでください。芸術性においてはあなたがどう考えるかを正当にしていく勇気が必要です。エラソウデスミマセン。

 

で、このように分析はできますが、本当に分析しなくてはならないことは、これらの和音の分析学的な位置付けではなくて、

「なんで彼はこのコードをここで使ったのか」

です。これは不定調性論で上手に説明できます(私には、ですが)。つまり

「彼がそうしたいと思ったから」

です(それ以上理解が必要ですか?)。ギターで指も移動しやすいし、よくジャズ(洋楽?)では使われる鉄板的移動でありながら汎用性が高い。なんとなく使ってみたら、安易さもなく、疾走感が出て、さらにKing Gnuっぽいから使った・・・というような理由だとしたとき、今書いた理由の中に「音楽理論的な根拠」は何ひとつありません。

それなのにこのコードが使える理由は、先ほど書いた「あなたにとって正当なのはあなたの意思」だからであり、音楽を作る理由は理論的構造の再確認再構築ではなく、作曲者本人がそうしたいからそうなった、からという理由しかないからです。

もちろん、これは不定調性論的な解釈であり、現行ではみなさんそれぞれの立場や方法論で自説を唱えることができます。わたしはスッキリしたいのです。オッカムのカミソリ。

 

逆に音楽理論的な理由から、この和音をここに設置できる理由があるでしょうか?

Bm7(b5)でなければならない理由はあるでしょうか?

Bm7(b5)が100点だとしたら、他のコードを置いたバンドは絶対にそれより劣るバンドになるのでしょうか?

ジャズ理論の教科書ではVIm6の転回形であり、トニックコードの代理コードと言える(VII7のIIm7(b5)とも)、とは書いてあります。

しかしあなたの曲で、いつこれを使えばいいか、についてはどこにも書いていないんです。その「いつ」を判断するのが不定調性論的思考による直感の活用だと私は信じています。

   

この曲でこの手法を覚えたら、ぜひ皆さんの曲展開でも一度使ってみてください。何度か使ううちにこれだ!ていう手の必ずつかめます。そのためには毎年100曲書かないと!(自分もな!)

 

Aメロ終わりまで約1分、この進行で突っ走ります。まさに走る10代。人生100年なら20代も青春っていうのかな。

I   | IIm7  | IIIm7  | IVdim7 |

IV#m7(b5) | V  | V#dim7 | VIm7  |

I   | IIm7  | IIIm7  | IVdim7 |

IV#m7(b5) | V  | V#dim7 | VIm7  |

 

======

またこのBm7(b5)=Dm6だとわかると、分析的には、先ほどのA#dim7の正体も理論的に判明します。

これはドミナント7thの根音省略形です。

つまり、

F   |Gm7  |Am7  |A7(b9)omitROOT |

Dm6/B |C  |C#dim7 |Dm7  |

F   |Gm7  |Am7  |A7(b9)omitROOT |

Dm6/B |C  |C#dim7 |Dm7  |

であるわけです。

 

これでこのセクションはジャズ理論で全て説明ができてしまうのですが、不定調性論はここに一つの疑問を提示します。

「こういうふうに理屈を考えて作曲していったの?」

です。そんな冷静に曲って作れるんでしょうか。だいたいもがいていじってもがいていじっていつの間にか出来ているのものではないでしょうか。

コードの移動が指癖になっている場合は、理屈で考えないでがーーーー!!って言いながら気が付くと使っていたりします。指が覚えているし、音楽的なクオリアがその進行が引き起こす感覚について知っているからです。早く作りたいし、良いのが作りたいから、匂いのしないほうにはいかないものです。

理屈でわからなくてもそれが繋がった意味について作曲家はその瞬間既に知っています。安堵します。それがハマると。

 

不定調性論は、音楽理論的な理屈で音楽を作るのではなく、このように作曲家が熟知している「感覚感」を作曲の動機にして作曲することを目的とした発想法です。理屈は一切考えないんです。考えないでやれるまでは勉強ですが。

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<Bメロ>

Gm7  F  |Eb   |Gm7  F  |Eb   |

ここはメロディはDマイナーペンタ+b5th的ですが、進行はGエオリアンの特性進行(Im |VIIb |VIb |)で面白いです。キー的にはDマイナーですが、和音だけ見るとキーはGmです。まあそれは作曲時にはどうでも良い事なのです。

これも先の話同様「こういうことを意図して使いたいと思って使った」と考えるよりも、"作曲している流れの中でこれが出てきて、これで良しとした"という決断のみがあるだけ、と考えてみてください。

作曲は半分意識、半分無意識がそれぞれフル稼働して生み出すところが快感な作業なんです。音楽の快感は性的興奮に似ている、という話はこちらでも出てきました。

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だから貪るように半分意図せず突き進んで作っていかないとそういう類の興奮を得ることは難しいです(・・と思う人と思わない人がいるでしょうが)。

考えてるけど考えてない状態?

走り出したら「次左足を前に出して」とか考えない感じ。そのルーティンができることが作曲している感になると思います。

 

<サビ>

Dm7  Am7 |Bb  F  |Dm7 Am7 |Bb C C#dim7 |

Dm7  Am7 |Bb  F  |Dm7 Am7 |Bb C  |

EDMなどで王道とされる、VIm-Vm-IV-Iです。そこにしっかりKing Gunの代名詞と言っていいのかC#のパッシングディミニッシュが光ります。

今の時代のノリノリの流れはこうした進行のうえで作られるので、ここはコードが云々、というより、世相の何がノリノリを作るのか、というところを象徴するためのサビ、という印象を受けました。時代が別のコード進行でEDMを作っていたら、ここもそれに合わせた進行が来たのかな?なんて感じました。

「こういう感じだろ?お前らのノリノリって」ということを提供できるのがヒットメーカーですよね。人が求める流れに歌詞とメロディ、そして何よりコーラスとドラムのグルーヴがKing Gunしているのでこのサビは時代へのオマージュのようであり、コード進行を静態的にみて「王道の借用にすぎない」とか考える必要はないかな、と感じました。勢いだ!

   

<必要のないコードが意味を持つ>

今回一番すげーって思ったのが、2サビ前の「B」です。

MV1:53ーの

Gm7  F  |Eb   |Gm7  F  |Eb   |Dminor penta FILL |B   |

この最後のBです。「煌めきを探すよ」のところですね。

"髭dan"さんなどでも見られる「挟む無意味」です。

もちろん"無駄な無意味"ではありません。分析学上の無意味、というニュアンスです。

続くサビはD#マイナーキーですから、ドミナントを置くならBではなくA#7またはA#△でないといけません。でもそれではいかにも「半音あげるよ」というネタバラシですからまず100%却下です。

 

でこのBとD#m7はIとIIIm7の関係なのでこのBの時点でD#マイナーキーに向かっていると解釈もできます。

しかし弱進行ですから最後のサビの前に持ってくるコードとしては弱いイメージです。でも昨今は、こうした弱進行がEDMなどでも効果的に使われています。

「進行感が弱い」のでは決してなくて、「少しずつの焦燥」とか「クールに振る舞う」という緩やかでスムージーな印象をあたえてくれる、ということが活用されているからです。これもまた流行、と言ってもいいでしょう。

従来の王道進行

C  |A7  |Dm7  |G7  |

だったのに対して、

Am7  |C  |F  |Am7  |

のような流れが最近(2000-2010年代)は"クール"だったんですよね。いわゆるコード進行知らない奴の作る進行、と言われたながれです。

これは先ほどの「ディミニッシュが挟めないやつ」云々の話とはまるで真逆の話です。

だから「こういう感じだろ?お前らのノリノリって」という余裕でこの手の進行も使えるのでは?という意見を述べました。もちろん上から目線でなく、アーティストならではのパワーです。

 

現にBからD#m7は「半音上がりました」感は全くなく、"今っぽいな、このキメ"ぐらいにしか感じません。

半音上げ転調の元々の意図は「盛り上げの転調感」でしたが、洋楽でだいぶ以前から「ダサい」とされ始めている印象を受けます。ディズニーぐらいのクオリティの曲でやるのはいいけど、それ以外でやるのは「古い」という感覚??です。

 

半音転調は、高音が生かせれば十分に盛り上げ引き締め要素は出るし、別に「盛り上がらなくてもよくね?俺たちの曲、最初から最高だし、最後だけさらに盛り上がるってことはそれまでそうでもなかったっていう自己否定だろ?ダサくね?」というのが昨今の価値観としてみてください。

野茂選手がアメリカに向かって活躍してから日本人は、少しだけ自信を持ちました。自信とともに育ってきた世代の音楽には、我々世代のような遠慮はありません。

その前の世代はいわゆる「不良」となって相手を近づけないようにしないと、こっちの弱さがバレる時代、でした。時代の流れ、意識の変化を感じます。

 

こういったコード選択、というか、こういう展開選択ができる世代の音楽、だと思いました。もはや我々は若い人から教わって、自分たちも刺激を受けなければなならない世代、というか時代意識になってしまったとつくづく感じます。

勉強させてもらおう・・・。

 

この新しいサウンドとジャンルの融合した音楽は現代の一つのアートロック=ArtRockというようなクオリアを感じました。かっこいいし、浅くないし、かっこいい。

溢れ出る繊細さをカッコ良さで挟んだようなロック。

 

本来70−80年代のフュージョンはこうなるべきだった、とか思ってしまいましたが。当時は洋楽の凄さへの圧倒さが、コンプレックスになっていて結果「80年代フュージョン」になったのかなぁ、なんて今思うと感じます。あれはあれで最高だと僕らは感じたけど。

でも現代はそうした先人の尽力の賜物で少しずつ日本人が日本人の音楽に自信を持ってきたように思います。Youtubeなどの媒体で海外からの評価が受けやすくなったのも自信になる度合いがまるで違いますよね。だから「現代音楽」だと思います。変に小難しくしない正当な現代音楽。

 

バンド独自の流れと、弱進行の活用のバランスに、ぉぉぉおおおおお!!!と感じましたので記事を作りました。

 

もちろんこうしたパワーはKing Gnu以外にもたくさんのバンドが放っていますよね。我々音楽を教材として扱わざるを得ない者としては、若い方の天井知らずな才能に心から敬意を評します。刺激を受けて仕事頑張ります。

 

偉そうに言いますが、結局は何も言えません。

がんばってーー!!。かっこいいよーー!!

 

随時もっとわかりやすく書き直します。

 

==コーヒーブレイク〜M-Bankロビーの話題==

騙されるな。これはちゃんとアート。

Teenager Forever