音楽教室運営奮闘記

不定調性論からの展開紀行~音楽と教育と経営と健康と

いにしえのジャズヴォイシング1

ヴォイシングを自由にやってしまうことを謳う不定調性の人がヴォイシングについて語るのはいささか筋が違うのではないか、とも思いますが、これでも一時期みっちりヴォイシングはやったつもりです。

このヴォイシングというのは、和音だけでなく、あらゆる合奏のためのライン作りに関係があり、クラシックにおける和声法をリーズナブルにしたものでもあり、「音楽を音楽らしくするための」専門沼の入り口です。

 

こうしたことはオーケストラを扱う人、ビッグバンドを扱う人が語る言葉が一番ふさわしいのはいうまでもありません。

ここでは特にヴォイシングに特化して、その入り口辺りを全て紹介します。

 

<ジャズ理論を学ぶ前に>

楽譜の構造とか、難しいコードを学ぶ前に、あなたがメロディフェイクができるかどうか確認しましょう。

その完成度の程度はともかく、カラオケでメロディを勝手に変えたり、やたらとかっこつけた語尾で歌う、とか、そういった「メロいじり」がさくっとできないと、ジャズ理論を身につけても空も飛ばないのに背中から腕にかけて翼をつけたように感じることでしょう。

どんなレベルでもOKです。楽器で弾いてもOKです。

「かえるのがっしょう」でやってみましょう。

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これが元のメロディ、とします。

 

メロディフェイクの例

ハットのリズムを加えました。テンポも勝手に変えました。音が細かくなるのでキーも上げて、華やかに聞こえるようにしました。

このように、

「メロディを自分のものにできる所有欲求」

がないとアドリブは取れませんし、リアレンジもできません。

ルールがどうこうではなく、「今、自分はそうしたい」を創造できるかどうかです。

こういうことがある程度できる人は、ジャズ理論は難しくないでしょう。

 

逆にこうしたことに興味がない場合は、オリジナルを重視した分析とか、評論家、文筆家といった職種のほうが向いているかもしれません。また声自体が個性的なら、現代なら「歌ってみた」などで十分小遣いが稼げるかもしれません。

逆にジャズ評論家に「もっとジャズ理論を知れ」は酷です。そこに9thが載っている理由を所有できないからです。そこにその音がある理由はクエリエイターが創造したものであり、他者は意味を与えるか、批判するしかやりようがないからです。

それをその曲でやったらそれは是か非で判断するのが批評精神です。またそういう人が批評家になります。

 

<なぜメロディをアレンジするのか?>

通常の楽曲のメロディを「ストレート・メロディ」といいます。

特に歌唱用に作られたメロディを演奏する場合、楽器でうまく弾きづらかったり(吹奏楽で息がもたない、楽器の音域に適切でない、奏法上の面倒さ...etc)、それゆえにビートの中でノリが出せない場合もあります。

特にジャズアンサンブル等で集合で演奏する場合は、ストレートメロディーのノリを損なわないようメロディを改変する必要が出てきます。

そのようなニーズからメロディ・フェイクが誕生しました。

 

そしてオリジナリティを尊重しながら、必要に応じてコードを変える(リハーモニゼーション)という慣習も生まれました。

リハモは「技法」として付加的にはじまったのではなく、自分たちの街の小さな編成で都会で流行っている曲を演奏するために必要な行為から始まったわけです。

 

そして「メロディを変えることが当たり前」という派生文化も生まれました。

 

「なぜ、いまメロディをそう変えたのか?」と問うアレンジャーさんもいます。

意味のあるフェイクでないと「表現」ではなく、「必要」がなく、自己満足が強い「主張」になるので、「不必要なもの」に聞こえてしまうのでしょう。

 

しかしこれらもDAWの誕生によってある程度自在にアレンジが可能になりました。

楽器で弾きづらいからメロディを変える必要も、ノリが崩れるからメロディを変える必要もなくなったからです。

そしてどんどん「必要性によって変えられたメロディ」や「手グセで弾きやすいからリックになったメロディ」その最初の「必要」が忘れ去れていきます。

まあそれはなんでもそうですね。ストーンヘンジがそこにある理由を答えられる現代人がいるでしょうか。

 

 

ゆえに、せめてアレンジャーは、テンポのノリを作るために変えるのか、楽器の特性に合わせたフェイクなのか、装飾フェイクと分かった上でさらに華美にして盛り上がりを作ったのか、という「意図」を一つ一つ考えながら作っていく学習段階が必要なんですね。

これは余裕がある人がやればいいとおもいます。これは伝統の継承なんです。

 

何度も言いますが、継承したい人と、そんなこと考えないほうが社会が求めるものが作れる人がいますので、どちらが正しい、ということを決めたいわけではありません。

 

 

ノリ→楽器の奏法→プレイヤーの技量→芸術的先進性

という重要度のどれをどう活かすか、かなと。DAWの場合、前の三つは自分でコントロールできます。

 

 

<アレンジの最初の一歩>

まずなんと言ってもノリ。です。

それゆえに、アレンジの最もシンプルで、強力な手法は、シンコペーションです。

カラオケでシンコぺさせて謳うことのダサさと言ったら目も当てられません。

シンコペーションはかなり音楽的な素養と、リズム感、ノリの良し悪しが関わるテクニックです。ただ位置をずらすだけなのに強力な魔法です。

 

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人が自然に感じる、1,2,3,4の強拍(さらに1,3が2,4よりも強く感じる)の位置に置かれたメロディを弱拍にずらすことで、メロディに変化がうまれ新鮮さ、スピーディ、洗練された感じになります。もちろんその逆の印象を与えてしまったりします。

 

「やらんでもいいシンコぺ」は強烈な違和感です笑(違和感も所詮個人の判断によるものですが)。

初歩的なシンコぺフェイクは「そうしたいから」やるだけなので、ノリが重視されず、むしろ流れが崩れ、本人だけが気持ちよく、聴いている人は気持ちが悪い(でもアマチュアには何が原因でその音楽がダメか理由はわからない)という不合理の大宇宙が広がります。

 

プロはいつも違和感の一歩手前までのチキンレースをやっています。

 

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そのためアレンジテクニックには、いくつもの予防策があります。

これも必要に応じて生まれました。

ときには"原曲のこのシンコぺだけ現代ではダサいよなぁ"なんて感じる場合もあったりします。

 

そこでメロディフェイクがダサくてもハーモニーが重厚になることで深い意味合いを持たせるように「ハーモニーによる装飾」が命綱になる時もあります。

 

こちらは今度は膨大な知識と経験が必要です。

こうしたことを評論家は日々実感していませんから、そういう評論は、むしろアマチュア音楽家がブログでやったほうが無料で読めて、そこに権威もないから読者はその能書きを前に自分なりに考える、という意味でもブログの必要性はまだあると思います。

このブログも能書きです。

www.terrax.site

 

<参照>