音楽教室運営奮闘記

音楽と教育と経営の雑記ブログ~不定調性論からの展開

コードアナライズの意味と心象分析について〜不定調性論的思考の必要性

2018.4.2⇨2020.3.20更新

ここでは「コードアナライズの学習にはどのような問題が隠れており、どのように学習時に対処すべきか」について考えてみましょう。

お題はAll The Things You Areです。

 

f:id:terraxart:20180402081500p:plain


Bud Powell - All the things you are

アナライズ記号については。。。下記をご参照ください。

www.terrax.site

しかしこれらの記号を不定調性論を考える時に用いることは滅多にありません。

長いので結論を書いておきます。

  • アナライズ=音楽理論の確認のために行う学校的な行為
  • 演奏すれば皆テンポが異なるように本来は個別の解釈は一本化されない
  • 自分が音楽理論的権威にどこまで寄れるか?どこまで離れてしまう人間なのかを把握しよう
  • 権威から離れた時、不定調性論的思考が問われる
  • 調性から離れた楽曲の把握に不定調性論的思考が欠かせなくなる
  • 自分がどんな音楽性を持っているのかを知るために曲を読もう

というような話を下記に書いています。暇な時に読んでいただければ幸いです。

コードアナライズという作業は...

音楽理論の確認のために行う学校的な行為です。学んだ知識を楽曲内に探し、当て込み、構成して理解を深める行為であり、それができても曲を書くことはできません。全く別な作業だからです。それをきちんと把握しましょう。教室や教科書で音楽理論を学んだら実際の曲を見て自分の知識をチェックする作業がコードアナライズです。

・キーは何か

・和音の機能は何か、ディグリー(ローマ数字当て)は何か

・使われている常套句は何か

・転調、変異コード、独自の技法の指定。

などです。これらは教科書に書かれている知識ですから、あくまで教科書の読解ができているかどうかの確認なんです。

ここから本来は、

・楽曲の歴史、作られた経緯、使用された楽曲史

・作曲家、作詞家、カバーしたミュージシャン、その演奏の変遷

・歌詞の分析、社会性の分析、

などを学校で行う場合もあるでしょう。無駄とは言いませんがプラスアルファな知識です。その後の長い音楽活動の役に立つかどうか、という意味では以上の中から一つ自分が興味のある分野をどの曲を勉強するときでも紐解くようになったら十分ではないでしょうか。そのような時間すらプロにはありません。昨今ではアマチュアの方が詳しいんです。

 

音楽教育ビジネスの中でのアナライズ

では、より作曲行為、演奏行為に沿った感覚で音楽を鑑賞してみましょう。

この曲のメロディを弾いてみてください。明るいですか?暗いですか?

意見が分かれるかもしれません。私は程よく暗いと思います。

「そうは思わない、もっと細かく分析すべきだ」と私の言い分と差異を感じる人もいるでしょう。

アナライズ記号は巧みに、全員が同じような指摘のできる内容に限って記号が作られています。明らかなII-VはII-Vである、というような内容のみをアナライズします。 

問題はその後です。実際に一人一人弾いてみたら、きっとテンポが違うと思います。弾き方も、もちろんアドリブも。何が違うんでしょう。

アナライズは「共通な知識を背景に自分の演奏をルールの中で組み立てる」といういわば陸上競技のような、ルールの中で個人の実力を伸ばす"学習競技"です。

100メートル走で、"バイク使った方が早くね?"という人はいない、というわけです。

でも実際外の世界に出たら、そんなことは言っていられません。

つまり、個人個人は違うが、共通認識できるものを用意したのがコードアナライズの素晴らしい発明であり、当時の身勝手な音楽学習に権威と秩序が生まれました。大規模な音楽教育ビジネスの誕生です。集団レッスンで利益を上げ、教科書が売れます。

問題はその後の世代が、その権威と秩序に頼ってしまって、独自性を育てようとしなくなった、という点です。

利益を無視すれば、音楽レッスンで一番効率が良いのは、個人レッスンで、教材は毎回講師が用意する適材適所な対応によるレッスンです。

 

個人は同一化をはかれない

忘れがちなことなのであえて思い出しましょう。同じ教育を施しても成績に差が出て、出世に差が出ます。それを才能と努力のせいにしたりします。

そうではなく、もともと個人は異なる可能性を持っているのだから、個人の器用さによって別れます。

音楽ビジネスに寄れる人は成功し、寄れない人は生き辛くなるだけです。

不定調性論は後者のタイプの人のための方法論です。自分の持っている素養を発見し、どのような音楽表現で自己が満たされるか、そこからどんなビジネスを新たに作るか、という全く逆方向から考える個人レッスンで効果を発揮する方法論です。

(その代わり先生はいつでも無職になることを覚悟するように!!笑)

機能和声論的スタンスと心象分析的(不定調性論的)スタンスの両方があって、初めて音楽学習は自分がどういう人間で、どんなことができて、その音楽を仕事にすべきか、趣味にすべきかを学習時に自己判断できる手段が整うと思います。

これはとても重要なことだと考えています。

私自身の人生でどこまでこの二つの極についての考え方を普及できるかわかりませんが、頑張ります。

 

アナライズの効率化

初期は教科書に書かれたやり方でアナライズしても良いですが、現場に出るようになって、時間が切羽詰まってくると、アナライズなどバカバカしくなってきます。そしてその過程をすっとばして楽譜を直感的に見るようになってきます。それはたくさんアナライズしたから、かもしれませんが、何よりたくさん演奏するにようになるからです。

数をこなすことの方がどんな仕事でも大切です。

同曲の構造を書くと、

<section1>

Fm7 |Bbm7 |Eb7 |AbM7 |DbM7 |Dm7 G7 |CM7 | |

<section2>

Cm7 |Fm7 |Bb7 |EbM7 |AbM7 |Am7 D7 |GM7 | |

<section3>

Am7 |D7 |GM7 | |

<section4>

F#m7(b5) |B7 |EM7 | |

<section5>

Fm7 |Bbm7 |Eb7 |AbM7 |DbM7 |Gb7 |Cm7 |Bdim7 |

Bbm7 |Eb7 |AbM7 | |

という5セクションがあり、1,2セクションは転調した同じ形であり、3,4セクションはメジャーとマイナーのII-Vがきれいに展開しています。

結果アドリブにはとても良い練習曲になっています(中級者向け)。このコードの流れのグループさえ把握できれば、アドリブの方向性は捉えやすくなります。

セクション5は、

Fm7 |Bbm7 |Eb7 |AbM7 |

DbM7 |Gb7 |Cm7 |F7 |

Bbm7 |Eb7 |AbM7 | |

とすると、さらにII-V構造が分かりやすくなるかと思います。

Bdim7=F7(b9)のコンビネーション・オブ・ディミニッシュに含まれる和音だからですね。 

<楽曲上のその他の特徴を把握する>

曲の中では目立つのがピカルディの三度。

m7に行くと思わせてM7にいくところです。

明るくすると、軽くなるので曲が抽象的になる、みたいに感じます。

ピカルディの三度は、さっきまで沈んでいた人がいきなり笑顔になる、みたいなサイコ感と、山の天気のように自然のダイナミックさが人智を越えた現象のように感じさせる、というコスモ感など、様々に感じさせます。この曲はそれが激しいので、抽象性や機械性を感じます。 

他ではセクション1,2、の最後のII-V、最後のIIb7、パッシング・ディミニッシュなんかも特徴的なので指摘できますね。

こういったことをアナライズで把握するように学習し、毎曲その読解スピードを上げることが目的です。

<Dm7 G7?>

これも気が付けばそれでいいのですが、6小節目にa♭音が出てきて、コードはDm7です。ひょっとするとDm7におけるb5音とp5音が同居する響きになりますから、Dm7-G7ではなく、Dm7(b5) G7とするのが適切ではないのか、などと思ったりするのがアナライズ行為のポイントです。Dm7(b5) の方がCM7に向かった時のピカルディ終止がより印象的になるのではないか?とか、それとも作者はそういうのに飽きてわざとこうしたか、とか、印刷のミスかな?とか、自分で色々想像するんです。

最初はそういうことをメモしていきます。

"青本"などはDm7(b5)になっていますね。

これ実は、DbM7--Dm7(b5)は1音しか変わりません。DbM7--Dm7のほうがスリリングに変わります。ソロを取るときはメロディは関係ないですから、音楽的な印象でいうと、Dm7のほうがダイナミックで気持ちいいです。自分は。

だからテーマではDm7(b5)、ソロではDm7みたいに分けても良いと思います。

自分のバンドで演奏するときにどうするか、みたいなことを最初は一曲一曲決めていかないといけません。そして数をこなせば演奏実績のある譜面が増えるわけですから、どんどん展開できます。

音楽理論は「君は音楽を楽しんで良いんだよ」とは言ってくれません。

過去の権威集だからです。音楽理論自体はとても厳しいものでそれは当たり前です。

そこからどのくらい離れていいのかがこれまでは自分で判断できなかったんです。離れれば離れるほど価値を失うからです。そこに勇気が必要になってきます。自分がどんな人間なのかを知ることになるからです。そこに不定調性論的な思考を絡めて、好きなやり方を創造的にできるように意識のバランスを取っていきます。

日本人が音楽理論が得意なのは「失敗を恐れ、恥じる文化」だからだと思います。

でも自分が「美しい」と本気で思うものに抗って生きることはできない、といずれ気がつくでしょう。若い時は我慢できるんですが。不定調性論的思考は我慢できているうちにあなたの本質を見つけることもできます。とにかく

自分自身との意思疎通を絶やさないでください。

権威集に自分がよれば寄るほど自分を殺すことになる、という人もおられるでしょう。

もし自分が音楽理論の価値とは違うところに向かいたい、と直感したら、それを認める勇気がどこかの段階で必要になります。不定調性論的思考の鍛錬は、そのタイミングを見つけやすくするトレーニングだと思います。

 

<H.P. >〜ハーモナイズポイント

この小節がいくつか出てきます。

V7やセカンダリードミナントII-Vを自由に入れられるところです。こういうポイントは不定調性論では「ハーモナイズポイント」という考え方で書きました。

ビバップを抜け出た人は、トリッキーな和音を置いても構いません。セクション1の終わりなら、

CM7 |( ) |Cm7 |

ですから、例えばの例えばですが

CM7 |C7(#9) |Cm7 |

として、微妙に構成音がかぶるコードで逸脱しやすい7thにしてCのコンディミを使う、みたいなアイディアをどんどん出してください。この位置にくる和音は、100%ドミナント的要素をもち、人は「ドミナント感」をここで聴きたがるので、ちょっとトリッキーなコードを置くこともできます。こういった選択肢もあなた自身の音楽性が左右されるので、勇気を持って自分の志向を把握しましょう。

 

そこはもう少し優しく弾いてくれ〜不定調性論の誕生

それでも「そこはもう少し優しく弾いてくれ」と言われたとしましょう。

それは譜面には指示されていません。当然事前のアナライズではできませんね。

その時点で機能和声論さようなら、です。

そこからは方法論がこれまではありませんでした。感覚で感じることに方法論はいらない、となっていたんですね。

そこで拙論が必要になってきます。心象分析です。

直感や音楽的なクオリアを用いて、音楽を感性と脳と経験で聞きます。

この和音は赤い、このフレーズは風のようだ、この最後の和音は疑問符だ、とか、そういうことをあなたは経験で察知するようになります。

そういうことができると、「そこはもう少し優しく弾いてくれ」という意味が、ああ、この人はこう感じたんだな、と相手の音楽的なクオリアに波長を合わせることができます。そしてあなたはその意味を汲み取って、「きっとこういう感じにっていう意味での優しいく、だな」と意図して弾けばいいんです。「優しさ」にも色々あるし、ただピアニッシモで弾けば良いというものでもありません。感じたことを音にできるスキルを磨いておく必要があるんです。

それにあなたの弾き方が彼が思っている「優しく」以上の表現になるかもしれません。

これらの感覚は普段、いかにあなたが音楽的なクオリア力を鍛えているか、またはたくさん音楽業に携わってきたか、にかかっています。 

 

旧来のアナライズができる曲

アナライズは、旧来の機能感を持つ楽曲しかアナライズできません。

わざと無調性などを狙った曲はアナライズ記号が当てられず分析はできません。やっても無理くりな分析になります。

そこまで行かなくてもたとえば、

CM7 |A7 |Dm7 |G7 |

におけるCM7---A7の進行には名前もないし、単なる「セカンダリードミナントへの進行」でしかありません。でもこのVI7に進行する印象は特徴的な響きだと思います。また同じ「セカンダリードミナント」でもII7、IV7、I7・・・それぞれ印象が違います。でも名前はありません。

www.terrax.site

CM7⇨A7には独特の進行感があると思います。 これにいちいち名前を付けたり、記号を作ればよいのでしょうか。それでは学習者の負担になるだけです。

現行の基本的なアナライズができるようになったら、あとは不定調性論的思考で把握しましょう。CM7-A7は明転上昇といった心象を私は持ちます。それを感じてそれを音にする訓練を講師と積んでください。それが一人一人違うから違う音楽ができるんです。音楽理論一本化というのは教育ビジネスの幻想なんです。あまり一つの答えにとらわれ過ぎないようにしてください。自分の欲望の声を聞いてください。最初は理屈ですが、どんどん考えるステップをそぎ落とすことができます。アナライズの知識とかはその最初の段階のことだけで、その先に膨大な意識のトレーニングのステップが待っています。

できれば好きなアーティストを全曲やってください。

私はビートルズと、ユーミン、S.ワンダー、ギターはジョージ・ベンソンを全曲やりました。おかげで一応の曲は作れるようになりました。

コードにこだわる人はコードを、メロディにこだわる人はメロディを、リズム、ジャンル、歌詞、それぞれにこだわるところから追求して下さい。

 

周囲から「君は〇〇〇が足らないなぁ、」とか言われても気にしないで!!そんな文句を言うだけでなく、ちゃんとヒントをくれて助けてくれる良い先生や先輩、仲間に巡り合えることを心より願って活動してください。

必ずあなたを理解してくれる人がいます。

焦って自分の音楽性を曲げてしまうことのないように上手に生きていきましょう!

まず自分が、だけど笑。

当ブログの楽理関連記事目次はこちら

www.terrax.site