音楽教室運営奮闘記

音楽と教育と経営の雑記ブログ~不定調性論からの展開

アラン・ホールズワースの楽しみ方(ソロ編)

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2017-9-4→2020.3.14(更新)

泣く子も黙る、ホールズワース節。
これほど独自性がある、と思われたフレージングも、いつのまにか多くの人が弾ける、みたいな時代になりました。つまりそうなると、いよいよそれがどういう考え方によって生まれているかを音楽スクールで解説ぐらいできないといけない、ということになってきます。

   

概略と観察

さて。僕たち永遠のロック小僧が聴きたいのは、ホールズワースの以下のような演奏でしょう。

 


Jeff Watson/Allan Holdsworth - Forest of Feeling

左chがジェフ・ワトソンの音、右chがホールズワースです。

ホールズワースの魅力は、伝説の教則ビデオ(VHS!!)にまるっと納められていましたが、当時アレが理解できた人がどれほどいたでしょう。

 

上記の動画でもそうですが、どんなに単純なコード進行でも、彼のソロは"アウト"していきます。

 

教則ビデオでもそうでしたが、彼には独自のスケールチャートがあり、それに基づいて演奏している、というのですが、私が思うに、あのチャートだけではあの演奏はできないと、当時自分なりに分析しました。

複数のチャートを瞬時に切り替えながら、目的のソロをとる、ということにチャレンジしてみましたが、思うようにはソロが組み立てられません。チャートを脳内で選択しているうちに、弾きたいタイミングを失ってしまうからです。

また、それがたとえできたとしても達人級の判断力やスキルが必要で、誰でも学べる、というようなレベルで音楽教室のレッスンに落とし込むことは無理です。

 

彼のソロをコピーしたことのある人なら分かると思いますが、スケールチャートはあくまで"かすがい"でほとんど即興的に音を紡いでいるようにしか思えないフィンガリングが大変魅力的です(耳コピしてみて!)。指グセや手グセもあるのですが、「ああ、またそのフレーズね」と思われてしまうようなフレーズは意図的に避けられていて、いつも新鮮です。だからリックばかりの速弾きギタリストとはクリエイティビティの次元が違います。いつも違うことを弾くというモチベーションに溢れています。

 

ちょっと音楽理論的な話をします。

 

協和の拡張~テキトーに弾けること 

たとえば、C△に対して、最も協和するのはc,e,gですね。

そしてd,a,bといった音が「コードトーン/テンション」です。

それからC△に協和するあらゆる音、f#やb♭といった、ノンダイアトニックトーンが組み込まれます。

ここまでをまとめると、C△で使用できる音は、
c,d,e,f#,g,a,b♭,b
となります。これはもはやスケールです。
(ポジショニングと音の順番を"崩す"ことによって、ただのメジャースケールも、メジャースケールっぽく聴かせない技術を教則ビデオでも提示していました)

 

これはパーカーらが作りだした「経過音的フレージング」です。ホールズワースを聴くためには、パーカーやコルトレーンのホーンミュージックがどういう旋律を作ってきたか、せめて頭で理解できていないと話になりません。

彼はギターでホーンのメロディを再現したい、とどこかで述べていました。

 

     

ホールズワース氏はあまり、リック、というものをインタビューやビデオでも示しません。
「ex.1」というようなフレーズを作りたがらないようです。
真の即興系ミュージシャンだったからでしょう。

即興、というのは、つまり、
Aポジション→(テキトーに弾く)→Bポジション→(テキトーに弾く)→Cポジション
というリズムでソロが展開されていくわけです。

言葉が悪いですが、この(テキトーに弾く)=12音全部が使用できるが、どれが外れていて、どれが合っているか瞬時に判別ができるくらいのポジション把握能力が、彼の即興的感覚の優れた能力によって補完されています。

 

この「テキトー」というのは、経験によって支えられており「今ぱっと弾いても、意味のあるソロがいつでも弾ける」という感覚がないと、最初はどうしてもリック的、王道フレーズ的、聞いたことのありそうな安定のフレーズを求めると思います。

 

ホールズワース氏が素晴らしいのは、この(テキトーに弾く)に弾くところの、シークエンス的な組み立て方や、高度な運指の横移動のセンスです(ギターの人はわかるでしょう)。

 

テキトーに弾いたときの罪悪感と興奮

皆さんの中には

「あ、今、俺テキトーに弾いちゃった、でもけっこういい感じだったなあぁ。。」

って思ったことありませんか?

ちょっとむず痒いですよね。「テキトー」って。自分の経験が作り出してはいるんだけど、脳からリリースする前に弾いちゃっているので、なんだか自分で出したフレーズ感がなく、なんとも歯がゆいものです。

でも、これは先進国の音楽教育がそう思わせているだけで、事実は、そのフレーズはあなたが繰り出したフレーズであり、あなたが責任を持たなければなりません。

言うなれば、「考えなくても最高のフレーズが弾けるまで練習しろ」というところが本当のところです。

反射神経と言えばいいか、160kmのボールをバッターが打つあの感覚で、自在にフレーズを繰り出す能力が求められます。

アマチュアが160kmの球を打てないのは、その訓練が足らない、と考えてみましょう。

 

だからあのスピードで縦横無尽に動こうと思えば、普通はミストーンを生じます。

しかしそれら「ミストーン」を上手にリゾルブさせながら「いかにも意味があるっぽい表情で、表現する」と言ったパフォーマンススキルも必要ですし、それがなるべくないようにソロのトレーニングを積んでいることも必要です。

ホントかウソかホールズワースはレコーディングが近くなるまで練習しない、と言っています。これは晩年の話ですから、若い頃は違ったと信じたいです。

 

テキトーに弾いていく事に慣れないと、どうも顔に自信がない、フレーズに力がない、とということが表に出ます。それではまだまだです。エンタメとしても。

そうではなく、「テキトーに弾かないと追いつかない」ので、いかにその流れで自分が描いたものを出せる脳の回路を作れるか?ということをベースにトレーニングをしていかないと間に合わない、という意味です。

オーネット・コールマンがそうであった通り、形式を求めず、感情をむき出しにして、表現する、という状態で、弾きたいフレーズを出すには、やはり相当なトレーニングが必要かと思います。

 

ようは、自分の経験と実績を信じて、考えて弾くのではなく、"感が得て弾く"を堂々と行える即興的ミュージシャンになる、を目標にするわけです。

  

いちいちスケールを考えない

考える前に指が動くんです。そういう脳の研究結果も出ています。

「意識による判断の7秒前に、脳が判断」:脳スキャナーで行動予告が可能|WIRED.jp

慣用句として「脊髄反射で動く」とかって言ったりもしますね。

それを極限まで研ぎ澄ませたのがホールズワーススタイルのソロです。

内面から湧き起こる抽象的な動機をまるで射撃や弓道の的に当てるがごとく集中してあのスピード感の中で出してしまう人。と言えばいいでしょうか。

 

フリージャズの精神がそこにはあります、でも汎用的なフリージャズが持っている(コールマン以後の一部の堕落したフリージャズ)「怠惰なテキトーさ」をホールズワースは繰り出したりしません。「なんだテキトーか」ってそういうテキトーじゃないです。

テキトーでもちゃんと音楽になるよう、自分が出るように研ぎ澄ますんです。

とにかく練習の際は、スケール練習などとっとと済ませて、感覚でソロを弾くトレーニングを積んでみてください。今まで考えていた思考回路をすっ飛ばしてもそれが弾けるようにするんです。多分脳の違うところを使っていることに気がつくはずです。

「考えてなくても起動する脳の部分が動いてる感じ」

を得れば良いわけです。

同じコード進行の上で何度も何度も、お客さんが聴いていると思って何も考えず弾きましょう。お客さんに伝えたいことを弾きながら見つける、というぐらいの感覚で。それで目的のフレージングを考えないで出せるようになるまでひたすら弾きましょう。

キーとかスケールとか、コードとかポジションとか、そういうところで音楽をやっていてはいけません。ジャズメンは野球でいうメジャーリーガーですから、小手先ではまるで通用しません。

 

感覚と感性、直感と集中力を磨くんです。そうする!と決めてください。スケールを考えて自覚して弾く、ポジションを選択して自覚して弾く、のではなく、

スケールを決めず、ポジションを決めず、自覚もせず弾く。です。

全く頭の中が違う回路になると思います。使う筋肉も、音楽に感じる部分も感じ方も全部変わります。変わってしまうともう楽なのですが、最初は大変です。

ブルースだけ弾いていた人がバップブルースを弾き始めるとき大変じゃなかったですか?

または野球選手とかサッカー選手がなんで160kmの球が打てるようになったのか、なんぜ正確な方向にパスが出せるようになったのか聞いてみてください。その時、何を考えているのか?こうやって打てばいい、とか考える瞬間はあるのかとか。

自分で二週間めいいっぱい感覚で弾く練習鵜をしてみた後に彼らに聞いてみてください。どんな練習方法をしたのか?どこがスキルで、どこが運で、どこが力技か聞いてください。

すごくよくわかると思います。「次元の違い」を感じましょう。

 

「崩れ」の絶妙な間の取り方

C△でどんな音を使ってもいい、のは分かっているが、C△が見えなくなってはいけない、しかし、だからといって、ちょっとやそっとアウトするような感覚(ただの退廃したフリージャズ)は辻褄が合わず、「飽き」がきます。
そこで先の「崩れ」という手法が目立ちます。
型→崩れ→型→崩れ→崩れ
という手法によって、「崩れ」の部分で、自由な演奏が可能になります。これはジャズ理論で言う、ドミナントコードの役割であり、不定調性論における、ハーモナイズポイントのことです。これが彼がジャズをやらなかった理由でしょう。ジャズが形式に縛られすぎて、ホールズワーススタイルにはただ頭が疲れ、指が疲れ、息苦しいだけです。そして彼のスタイルで弾いたら「それはジャズではない」と言わるのがオチです。

 

例えば、簡単な例で

CM7 |CM7 |CM7 |CM7 |Dm7

という一発ものの中で「崩れ」を使うとき、

CM7 |CM7 |CM7 |A7(b9,B13) |

と、最後の小節を、勝手にV7化してしまいます。演奏はCM7ですから、厳密には、

A7(b9,b13)/CM7

という複層構造になっている、ということです。

こうすることで、CM7上でAオルタードドミナントスケールなどを使えば、自然とアウトしながらも、旋律上はビバップのアウトフレージングのようになり、綺麗にDm7に繋がります。コルトレーンがやろうとしたこともこういうことです。トレーンはホーンで和音的な連鎖を作ろうとしたわけです。とてつもない速いフレーズでCM7のアルペジオを弾けば、それが和音的な存在と等しくなる、という天才ならではの発想です。


さらに、4小節目が「崩れ」であると決めれば、もはやV7である必要はありません。下記を試してみてください。

CM7 |CM7 |CM7 |テキトーに弾く |Dm7

これでも似たような効果が出るでしょう。こうしたアクセントをうまく置くことで音楽はスリリングになります。スケールも特に覚え、選択する必要はありません。アウトすれば良いのです。かつカ拠り所がなく頼れるのは自分の指と運とその時の直感だけ。

この解釈で延々とライブ終了まで手グセに逃げたりしない、とするには相当な精神修養か天才さが必要です。自分でやってみれば「お金払ってジャズのプレイヤーを観に行こう」と思うはずです。やりたくても自分ではできないので。そしてそのポイントがわかった上でライブを見るととてもよく感じるところがあると思います。

リズム感とかグルーヴとかはその過程でついてきます。リズム感を良くしよう、ではノリは出ません。乗りもやっぱり一つ上の段階で音楽をやらないと見えてきません。


アウトするためには当然、Cメジャースケールを完全に把握していなければなりません。フレットボードは隅々まで覚えておかないといけません。

「どうやって弾いてるのか」という質問にホールズワース先生はきっと型通りの答えはメディア用に用意していたでしょう。

 

リハをたくさん行えば、だいたいのその曲のポジショニングも決まってきます。

組み立てもある程度できた上でソロに臨むことになります。

そう決まったらあとは直感で弾くトレーニングに切り替えます。瞬時にポジションが見えたり、フレーズ感が見えたりします。

その次元で5分弾いたら普通は脳が発熱しますよね。プロのすごさを実感します。

 

さらに、この「崩れ」を緊張感のあるものにするために、「協和の概念の拡張」が弾き手に求められます。
C△でe♭をカッコ良く使うためには、e♭→eというように、用いればブルーノート的にカッコ良くなります。これを発展させて、
c→e♭→c→e→c→e♭→c→d♭→d→c
としたり、これを高速で行うことによって「崩れ感」を出すわけですね。むしろこの型のない感じは「和風」でもあります。

ホールズワースが日本で好まれるのも、この崩れた感じに詫びと寂びを感じるからではないでしょうか(考え過ぎか)。桜が散っていくような、はらはらと舞っていく協和の崩れ感。

 

C△におけるe♭は、「cの上方の裏面の音が反応している」というような感覚(これは拙論の発想ですが)を初期学習時に理解して身に付けておけば、人間の脳という素晴らしい器官が、ストーリーを作ってくれることでしょう(不定調性論)。

そのような意味で、ホールズワーススタイルは「フリージャズのその先」であり、それらを「和音の上で使える理屈」として理解するには、既存のジャズ理論だけでは足りません。感性を真ん中に置く不定調性論のような方法論を援用して、さらに皆さん独自のアプローチや「意識の使い方」を探し出してください。

ゆえに彼はジャズを嫌ったのだと思います。頭を使って弾けるギリギリがビバップでした。その先に彼は行き、そのためにはジャズを崩す必要があり、自己のジャンルを作る必要がありました。

ホールズワースの先に行くには、ホールズワースと同じようなアプローチで弾きながら、もっとポピュラーなテクニックを繰り出す、ということであると思います。

ガスリー・ゴーヴァンのようなギタリストを筆頭に、すでに次の世代が活躍しています。テクニックもあり、頭も使い、かつ即興的、というまさにバケモノミュージシャンです。

 

そういう聴き方をしてみれば、だいぶ色々納得だと思います。

 

あなたがこれから音楽理論を学ぶなら、この話はもう少し後になってから戻ってきてみてください。


ハーモニー編はこちら

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ソロ編2はこちら

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<参考>
■ALLAN HOLDSWORTH RESHAPING HARMONY
■REH VIDEO Allan Holdsworth Booklet
■Melody Chords For Guitar by Allan Holdsworth

アイドロン~アラン・ホールズワース・コレクション